他們是「壞掉的幾何」，歪斜、拒絕圓滿的棱角，而他們的節拍則像被殘酷地捏碎的記憶。在俐落的碎裂聲中，重組成令人屏息的詩篇。
threetwenty 由瑞典製作人Philip 和美國歌手 Ivana 夫妻檔組成，一聽到他們的音樂就感覺到濃厚的靈魂足跡，在爵士音樂下根深蒂固。有時候聽起來好像 lounge music 版本的 R&B，有時候好像迷幻色彩的靈魂音樂。
Ryan Beatty 從小已經走上音樂路。Ryan 自 15 歲開始在Youtube翻唱流行歌曲，被唱片公司青睞，出歌，成為青少年偶像，更被稱為「Justin Beiber 2.0」。然而在 18 歲時，當時的他對於音樂的創作空間有限而不滿，而自己的青少年偶像形象令自己不能出櫃，抑壓的情況令他決定退出樂壇。三年後，Ryan 重回音樂創作。Ryan 當時與正在出頭的Brockhampton合作，在《Saturation》系列和《iridescence》也有他的獻唱。
THE NOVEMBERS在2026年7月10日將帶著全新 EP《合奏する、エンジン》重返香港，再次思索音樂所能承載的一切——記憶、情感的共鳴，以及與他人維持連結的渴望。這次，小林祐介（Vo. & Gt.）、松本賢吾（Gt.）、高松浩史（Ba.）與吉木諒祐（Dr.）談及最新 EP 的創作想法、他們與香港這座城市之間的連繫，以及現場演出在他們音樂中持續佔據的重要位置。
一個在全球廣受好評的獨立搖滾樂團，最有可能是如何創作的？來自另一個半球的 The Beths ，生長於奧克蘭這片亞熱帶溫和濕潤的土壤，在那個與我們季節倒置的地方，陽光、雨水、海洋和存在主義帶來的眩暈感，如常與無常都如此熟悉地反覆發生。當聽到他們音樂響起的瞬間，來自南半球的日常修行就這樣變得具體起來，這些創作自閱讀與寫作的思考習慣中湧出，意識流的寫作，也是主唱兼詞曲作者 Elizabeth Stokes 的個人療癒手段，如谷水潺潺，木落翩翩。
當我在 IG 上一直刷，意外刷到這位 bedroom pop 神人 cikho。15 秒的片段中，只是聽到一首陌生歌曲的主旋律和伴奏，卻令我一刻愛上了。
2011年前後的紐約布魯克林，正沉浸在一場由 Captured Tracks 等獨立廠牌掀起的「Dream-pop」浪潮中。關於夢的想像，大概對當時還是 Beach Fossils 樂隊成員 Zachary Cole Smith 來說，是一場深邃海洋與潮汐的律動吧。如水般流淌，Zachary 遇到其餘幾位志同道合的樂手，正式成立了「DIIV」。這場遇合，註定要為當代獨立 Shoegaze 音樂留下一抹最獨特的水影。
2025 年 1 月 11 日，MONO 的結他手兼團長 Taka 在他岳父的喪禮上，第一次聽見 MONO 的音樂在喪禮中響起。 〈Eternal Story〉一路播著，而親友逐一把花放到棺木旁。這首歌是 Taka 在他父親離世後，第一次為妻子寫下的作品。父親生前曾問他：「你為甚麼從來沒有為你珍愛的妻子寫一首歌？」這句話在父親離開後仍留在他心中。於是 Taka 寫下〈Eternal Story〉，並獻給妻子。對他而言，這首歌承載著對摯愛之人的情感，也延續著那些在生命中未曾消失的故事筆觸。 過去四年間，Taka 經歷了幾位珍愛而重要之人的離世，包括他的父親、長年合作的製作人 Steve Albini，以及他的岳父。而在岳父的喪禮上，當〈Eternal Story〉響起時，一個畫面讓這些離別衍生了新的連結。
走過十多年光景，台灣 Dream Pop / Shoegaze 樂隊 Manic Sheep 帶著新作《Rewind 2014》再度回到樂迷的視線中。將那些塵封十多年的歌曲重新洗刷、在 2026 年的今天發表，對他們而言，這不單是對過去的深情回望，更是一次帶著歲月沉澱後的技術，與當年那份狂熱、純粹的精神狀態進行一場跨越時空的熱烈碰撞。 一如「Manic Sheep」這個名字，將綿羊的溫馴與音牆的狂躁極端揉合，他們的音樂總是在歪扭、粗糙的噪聲背後，包裹著隱晦而甜美的旋律。在這次專訪中，Manic Sheep 分享了樂團成立的契機、《Rewind 2014》背後的時空膠囊、對台灣獨立音樂場景變遷的誠實觀察、對 Shoegaze 的理解與熱愛。當然，還有他們再次來香港演出的期待與回憶。
GENA 由歌手 Liv.e 和鼓手 Karriem Riggins 兩人組成 - Liv.e 自身作品混合了嘻哈、爵士和靈魂音樂，並以迷幻風格為主軸。也曾與 Earl Sweatshirt、Pink Siifu 地下饒舌歌手合作。Karriem Riggins 則是行內備受尊重的鼓手，在 90 年代為 Common、J. Dilla 等人製作而為人熟悉，並一直致力推廣爵士靈魂的混合。
加州獨立樂老將 Deerhoof 登台前，MOM Livehouse 的空氣裡已經瀰漫著一股蓄勢待發的躁動。我這次幾乎是空著腦袋入場的，純粹是被朋友的大力推薦推進門：「你一定要去看 Deerhoof，」他們說，「不可能不愛上他們。」由於他們早已把作品從 Spotify——那個萬惡、但我可悲地仍在用的串流平台——全數下架，加上他們的作品目錄龐大得令人卻步、曲風又雜得難以歸類，演出前我索性一首都沒聽。簡單說，我對接下來會發生什麼事毫無頭緒。
來自南韓的Kim Oki是亞洲前衛爵士的代表人物之一，除了是色士風演奏家，身兼作曲家及電影導演，更曾經是街舞舞者，是位跨越不同媒介的創作人。 雖然並非傳統學院派出身，但在2013年推出首張專輯《Cherubim's Wrath》後，他如此別樹一幟的風格迅速受到注目並走紅。 帶著反叛又自由靈魂的他卻非常討厭被標籤成「爵士樂手」，更於早期的專訪中直言： 「我不認為我的音樂是爵士樂。」 （내 음악이 재즈라고 생각하지 않는다)
進入 2000 年代，日本瞪鞋搖滾在獨立音樂場景中逐漸邁向成熟。自 90 年代開始活躍的 Coaltar of the Deepers、Luminous Orange、Cruyff In The Bedroom、dive、Ca-P、honeydip、Walrus、JESUS FEVER 等樂團，為這股浪潮奠定基礎；而到了 2000 年初，Hartfield、mash、G-Ampere、stereo sun、CLAMS 等新星紛紛湧現，在承接西方瞪鞋美學的同時，融入日式旋律感、J‑Pop 元素與細膩情緒，逐步孕育出獨樹一幟的「日式瞪鞋美學」。
來自英國的 Natanya 於上年推出了《Feline’s Return》，以 bedroom pop 的聲線，在零零年代的另類流行（alt-pop）氛圍下充分呈現。製作當中依然感覺到一種貼地感覺，而每首歌曲都是她親手細心地琢磨出來。
春天來到尾聲，六月又是一年一度 Primavera @primavera_sound 的時份。全名 Primavera Sound，意指春天之聲，這個立足巴塞隆拿的音樂節已經是一個全球的音樂盛事。由聚焦 indie rock 起家，去到近年積極擴展版圖，重心轉移向當下風靡年輕族群的 pop、hip-hop、electronic 等領域，陣容之豐富只能用目不暇給來形容，每年吸引將近三十萬觀眾參與。今年更是早在開演前四個月，便創下全數門票完售的驚人紀錄。正式音樂節為期三天，而延伸活動 Primavera a la Ciutat 則會維持一週，有更多不同音樂單位散落在城市內各個 live house 和舞台演出。這音樂節橫跨世代曲風，是場讓所有樂迷都能大快朵頤的盛宴。來看看 2026 年有什麼你不會想錯過的精華。
如果你第一次聽 Deerhoof，很可能會有一瞬間不知道自己聽到的是甚麼。 它像一首兒歌突然撞進噪音現場，又像一隊搖滾樂隊在快要進入副歌時，忽然把原本的節奏拆開重組。結他、鼓、人聲和噪音各自往不同方向奔跑，卻又在某個混亂的瞬間奇異地合在一起。你以為它要變得可愛，它忽然變得尖銳；你以為它要失控，它又突然露出一段明亮得近乎流行曲的旋律。 這就是 Deerhoof 最難被介紹、也最迷人的地方。來自美國三藩市的他們，自九十年代中期活躍至今，總被放在噪音搖滾、藝術龐克、實驗流行等標籤之下；但這些分類似乎都只能描述其中一小部分。當我們請 Deerhoof 用三個關鍵詞形容自己，他們沒有選擇任何樂種名稱。 他們的答案是：”Flowers, fruits, animals.” 花、果實、動物。 對於一隊總被放在「偏鋒」、「實驗」、「噪音搖滾」等標籤之下的樂隊來說，這個答案幾乎像一個玩笑，卻又意外地準確。Deerhoof 的音樂從來不太像固定類型，反而更像一個持續生長、亂竄變形的生態系統：有兒歌般的重複，有忽然失重的節奏，有像動物般警覺的身體反應，也有壞掉玩具仍然不肯停止發聲的生命力。
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